22 de octubre de 2017

En cuerpo y alma. Una historia nada convencional.

Parece mentira que una película que sigue casi al milímetro la tópica estructura de una comedia romántica pueda llegar a ser tan original e interesante. Y es que no hace falta ser muy avispado para entrever ciertas costuras al guión; así, nada más comenzar tenemos el clásico desencuentro inicial entre dos seres que tienen más en común de lo que aparentan y puedan ellos en principio imaginar, poco a poco se dará un ligero acercamiento desde la distancia con pequeños tropiezos que se irán limando hasta llegar al casi romance que surge en este caso a raíz de una curiosa coincidencia onírica.

En el tramo final tendremos la pelea y separación, producida, como no, por culpa de un malentendido, y respecto a si hay una definitiva reunificación y final feliz con coros y trompetas no diré nada para evitar inoportunos spoilers, pero sí les adelanto que algunas de las secuencias finales son las más impactantes del film por su crudeza y emotividad ¿Dónde radica entonces la originalidad de esta película?


17 de octubre de 2017

Hablamos con Carla Simón, directora de "Estiu1993", película candidata a los Oscar por España

El pasado 14 de septiembre, el CGAI (Centro Galego das Artes e da Imaxe) exhibió "Estiu 1993", la película presentada por España como candidata a los próximos premios Óscar. Además de la oportunidad de su visionado, el coloquio posterior con su directora, Carla Simón, convertía a la cita en imprescindible, así que nos plantamos allí, vimos la película y hablamos con la autora.

"Estiu 1993" o "Verano 1993" es una película autobiográfica que relata lo acontecido a la directora Carla Simón en un momento difícil de su infancia. Una serie de circunstancias duras que tuvo que sobrellevar como niña y que plasma en un filme aparentemente sencillo pero que esconde una gran complejidad, como se revelará en las preguntas que por parte del público asistente y por la nuestra, se le plantearon a la directora.

15 de octubre de 2017

Handia. Grande donde otros son pequeños.

Después de haber luchado en la primera Guerra Carlista, Martín vuelve al caserío familiar en Altzo (Gipuzkoa) y allí descubre que su hermano menor es mucho más alto de lo normal. Así es Handia (Aundiya en su forma más antigua), palabra que significa "grande" en euskera y que trae a nuestros días la historia de "el hombre más alto de su tiempo", una narración que siendo real, no necesitan más que unos cuantos aderezos para convertirse en un buen guión de cine.

Si el vocablo "handia" define a la perfección lo que nos depara esta película en todos los niveles, "arriskua" (riesgo) debería ser la que define la actitud que adoptaron sus directores Jon Garaño y Aitor Arregi cuando decidieron poner en marcha este proyecto.

Es un riesgo tomar un camino tan alejado de la fórmula que te ha dado el éxito. La aclamada Loreak (2014) aún cautiva nuestras retinas, y se quedó a un paso de tocar el cielo en Hollywood, todo un hito para una cinta rodada en euskera. Es como si Peter Jackson después de rodar El Señor de los Anillos, le hubiera dado por presentar un documental. Los autores se embarcan en una historia que forma parte del acervo popular vasco. Contada por los mayores como los buenos mitos, con una buena dosis de fantasía, pero con las raíces hundidas en la realidad más cruda. Y a falta de documentación gráfica (estamos en el siglo XIX), ahí están sus descomunales guantes, sombreros y marcas talladas en la piedra para que nuestra imaginación vuele.

10 de octubre de 2017

Blade Runner 2049. ¿Dejaron los androides de soñar con ovejas electrónicas?

Hay que reconocerle a Denis Villeneuve valentía, arrojo y empeño para embarcarse en lo que casi podría ser un proyecto suicida, la continuación de Blade Runner, considerada unánimemente junto a “2001 Una Odisea del espacio” la mejor película de ciencia ficción de todos los tiempos y obra que, dicho sea de paso, no necesitaba ninguna continuación.

Se agradece que al menos los gerifaltes de Hollywood lo hayan hecho con respeto, contando con el guionista original de la primera (Hampton Fancher, en colaboración con Michael Green), manteniendo en la medida de lo posible parte del reparto original y contratando al que quizá sea uno de los dos directores que dada su trayectoria podía embarcarse en este proyecto con ciertas garantías de calidad y fidelidad al original. (El otro director, para mí, sería Christopher Nolan.)

7 de octubre de 2017

Fireworks, la nueva joya de la animación japonesa. Nuestra crítica y entrevista con el director.

Presentada en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián, hemos podido ver la más que recomendable película de anime “Fireworks”, remake del film para televisión del mismo titulo de Shunji Iwai.

Escrita por Hitoshi Ohne y dirigida por el tándem de directores Akiyuki Shimbo (cuyo trabajo más conocido en España es la serie “Madoka Magica” y las tres películas que derivaron de ella) y Nobuyuki Takeuchi (jefe de animación de varias obras maestras del anime como “El viaje de Chihiro” o “Ponyo en el acantilado”), en este su primer trabajo conjunto han realizado una obra emotiva a la par que imaginativa que combina pequeños golpes de humor (algunos políticamente muy incorrectos, lo que hoy en día creo, es de agradecer), el romance y la amistad en la adolescencia y, a partir de cierto punto de la trama, un elemento de ciencia ficción que permitirá a los protagonistas volver sobre sus pasos y revivir de nuevo los últimos instantes de sus vidas.

"Fireworks, Should We See It from the Side or the Bottom?" the new wonder of anime. Our critic review and interview with the director.

“Fireworks, Should we See It from the Side or the Bottom?” was presented at the Official Section of the Festival de San Sebastián. We have seen how recommendable is this anime film, a remake of the tv film of Shonji Iwai. It was writen by Hitoshi One and directed in tandem by Akiyuki Shimbo (his most remarkable job known in Spain is the series "Magic Madoka" and the three films resulting) and Nobuyuki Takeuchi (animation chief of several anime master pieces like "Chihiro's spiriting away" or "Ponyo on a cliff").

 In their first joint job they have made an emotive and imaginative film which combines comic relief (some of them politically incorrect, thankfully nowadays), romance and adolescent friendship. At some point of the storyline it also includes a sci-fi element which alows the main characters to come back and live the last moments of their life again.

1 de octubre de 2017

Nuestro Festival de San Sebastián. Primeras impresiones.



Echa el cierre la 65 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Acaba de conocerse el palmarés y, por extraño que parezca, esta vez no va acompañado de demasiada polémica. Nada como poner a John Malkovich presidente del jurado para que su decisión tenga peso del ley. Eso, y no restarle mérito a James Franco y "The Disaster Artist", que ya traía buenas críticas del Festival de Toronto.

Pero nuestro festival terminó hace unos días. Si algo nos queda claro (porque no puede calificarse de error participar de una experiencia como esta), es que el Zinemaldia merece y obliga a disfrutarse de cabo a rabo. Los nuestros fueron tres días, y aún estamos digiriendo, ordenando, e intentando dar una forma presentable a tanta información cinéfila. Una actividad festivalera que ya de por sí es frenética, se convierte en febril si tu agenda se ve recortada a la mitad por multitud de razones ajenas a nosotros (mundanas y comunes), y por desgracia también ajenas al cine. No volverá a ocurrir.


19 de septiembre de 2017

¡Nos vamos al Festival de Cine de San Sebastián!

¡Y estamos contentos como maracas! De nuevo viviremos unos días de puro cine, 100% rodeados de expertos, periodistas, críticos, actores, directores y demás fauna variopinta que nos quitará horas de sueño pero a cambio nos darán meses de charlas, de anécdotas y de momentos agradables.

Gracias Festival de San Sebastián por dejarnos acudir una vez más. No es nuestra primera vez. Ya estuvimos en la edición del año 2013. En aquella ocasión pudimos hablar con gente como Hugh Jackman, a quien le preguntamos si no estaba aburrido de hacer de Lobezno; con Oliver Stone, que confundió mi voz con la de un amigo suyo y contestaba lo que quería; con Michelle Yeoh, chica Bond conocida por Tigre y Dragón  (2000) de Ang Lee, que nos contaba como era difícil que se se cayera porque era bailarina y no karateca. Un servidor tropezó con Terry Gilliams, hablamos con un amabilísimo Vincent Pérez y sufrimos a Albert Dupontel. Casi se me salta el corazón del pecho al hablar con Sandrine Kimberlain y me quedé dormido junto a Carlos Pumares en alguna sala de cine en la sesión nocturna, cosa comprensible tras horas y horas de curre.




17 de septiembre de 2017

Big Eyes. Buscando a Tim Burton desesperadamente.

 Siempre ha habido expresiones de arte que, de alguna manera dan en el clavo y se convierten en acontecimientos comerciales. Transcienden las barreras del puro arte y se confunden con el marketing y los ingresos millonarios. Como las muñecas gorjuss que pinta Suzanne Woolcott.

Y este proceso muchas veces está fuera del alcance de la mente creadora, ajena tan a menudo a mercadear con sus obras.

No es un fenómeno nuevo, en los años 50 y 60 ocurrió algo muy similar, que con el tiempo adquirió unos tintes novelescos que parecieran salidos de la mente del guionista más retorcido. Se trataba de unas muñecas pintadas con unos exagerados ojos enormes (Big Eyes), y que llegaron a convertirse en un éxito sin precedentes durante dos décadas, siendo los artículos más buscados por actrices y demás famoseo.


12 de septiembre de 2017

Atmósfera 0. Cuando Sólo Ante el Peligro estuvo en órbita

Prácticamente todo el mundo sabe que la inagotable serie de películas de la Guerra de las Galaxias (me resisto a llamarle Star Wars) surgió como una adaptación particular de la película japonesa Los Siete Samuráis del director Akira Kurosawa (1954) Se trasladó su historia del Japón feudal a una galaxia muy, muy lejana y el resultado sigue dando coletazos hasta hoy. Nunca se imaginaron aquellos nobles samuráis que sus catanas serían transformadas en sables láser y que se siguen blandiendo por causas igualmente dignas aunque sus portadores tengan antenas, cuatro ojos y piel de color verde.


10 de septiembre de 2017

El otro lado de la esperanza. El otro lado de Occidente.

Nada mejor para desintoxicarse de tanto blockbuster veraniego que visionar la última obra del consagrado director finlandés Aki Kaurismäki.

Reconozco que su cine a veces me fascina y otras me exaspera, pero rara vez me deja indiferente, y es que una de las virtudes que más valoro de su filmografía es que sus películas se pueden considerar la antítesis de lo que se hace actualmente en Hollywood por su estilo tan personal que combina fábula y realismo, por sus personajes lacónicos (pero siempre interesantes), los diálogos secos (pero no exentos de humor), las interpretaciones contenidas (pero en absoluto escasas de profundidad) y su evidente compromiso intelectual y social. Wes Anderson, aunque con una temática muy diferente y sus propios y particulares códigos, sería lo más parecido que nos podemos encontrar dentro del cine estadounidense.

5 de septiembre de 2017

Saturno 3. Tres estrellas en acción

Siempre ha habido cine. Bueno, desde que se inventó en 1895. Quizá muchos lectores de esta web son jóvenes que han crecido con los efectos especiales creados con ordenador. Chavales para los que Parque Jurásico es su primera película de dinosaurios, que no saben que antes los dinosaurios, monstruos y seres o maquinarías extraños se movían foto a foto, con un encantador tembleque que hoy se podría considerar “vintage”. No es el caso de esta película, pero esta reflexión inicial viene a cuento de que tampoco sólo de La Guerra de las Galaxias o de Star Trek vive el hombre. Hubo, hay y habrá historias muy interesantes que transcurren en el espacio y que dejan a uno con muy buen sabor de boca. Saturno 3 es una de ellas. 

2 de septiembre de 2017

La Torre Oscura. Y a medio construir.

"La Torre Oscura", definida por el propio Stephen King como su Gran Obra, se ha pasado años dando tumbos entre los portafolios de los ejecutivos de Hollywood. Estuvo a punto de salir adelante en forma de serie de televisión con Javier Bardem en uno de los papeles principales, y después de un sinfín de dificultades de producción, llega a nosotros.

Hace muchos años que leí mi última novela de Stephen King, y no me he acercado nunca a este gigantesco cosmos que ha creado el escritor al rededor de La Torre Oscura. Hasta donde conocía, los relatos de terror de King abarcaban una novela a veces gruesa como It, pero no se desarrollaban en extensión y complejidad hasta rivalizar con la Tierra Media.

Pues este universo literario creado a lo largo de tantos años, acompañado por una película que ha llevado lustros poner en movimiento, nos generaría las expectativas de una producción compleja, escrita y rodada con todo el mimo y  tiempo del mundo. Como los cimientos de la interminable Torre. Pero el sentimiento que sobrevuela la película entera no es el de una obra pulida y reposada, es más bien el de precipitación.


29 de agosto de 2017

La Profesora. Mucho cuidado con la educación

Lo primero que hay que decir es que esta película está basada en hechos reales. Es importante para conocer el triste alcance que pudo haber tenido la profesora real en quien se basa la actriz protagonista e un excelente papel. En algún lado se califica a esta película como un retrato de la podredumbre del comunismo, sin embargo, creo que es un retrato de la podredumbre de ciertas personas que, ya sea en ámbitos comunistas como capitalistas, saben sacar tajada de cada situación, personas que no cambiarán sus malos hábitos y que siempre tendrán ese virus en sus entrañas, por otro lado, como así refleja esta película.

26 de agosto de 2017

Valerian y la ciudad de los mil planetas. Entre el cine y la playstation.

Difícil encarar una crítica ante una película que me ha producido tan diversas y contradictorias sensaciones. Empecemos por lo bueno, Valerian es una película de ciencia ficción y aventuras, lo que se conoce como Space Opera, basada en unos populares cómics franceses creados por Pierre Christin y Jean-Claude Mézières, cuya pretensión es entretener y proponer un mundo repleto de imaginación y fantasía con unos personajes arquetípicos y fácilmente reconocibles.

Y esto se consigue casi en su totalidad, los efectos visuales son sorprendentes y de una riqueza imaginativa pocas veces igualada en el mundo del cine, la trama aunque es sencilla está bien ejecutada, la película pasa en un suspiro e incluso en su primer tercio llega incluso a impresionar.


22 de agosto de 2017

Rey Arturo: la leyenda de Excalibur.

Cuando se conoció la noticia de que Guy Ritchie (Snatch, Sherlock Holmes) iba a ponerse a rodar una versión de Los Hechos del Rey Arturo, una ola mezcla de expectación e incredulidad recorrió los mentideros que se dedican a comentar el mundo del cine.

No es lo más habitual que uno de los directores más transgresores en cuanto a estética y a ritmo narrativo se meta en estas lides, tan acostumbradas a composiciones contadas en tono solemne y cadencia soporífera. La estética cercana a veces al video clip del director británico, sus alardes en la sala de montaje a ritmo de rock&roll casan tan bien como una cecina y un Ribera del Duero, pero ¿aguantarán ese mismo traqueteo acelerado los remaches de la armadura de Arturo? ¿Sufriremos un shock al escuchar a los caballeros de la Tabla Redonda abandonar pompa e hidalguía y expresarse como pandilleros de extrarradio?


19 de agosto de 2017

Estirpe. Hablamos con su director, Adrián López


El pasado 11 de agosto, pudimos disfrutar del estreno de la película "Estirpe", ópera prima del coruñés Adrián López. La película trata sobre "Estirpe", cómic publicado en 1969 que se convierte en clásico de culto. 45 años después una productora que quiere adaptarlo al cine encarga a María, abogada, que encuentre a su autor para conseguir los derechos.

Con tres niveles de narración entrecruzados, "Estirpe" nos contará mediante flashbacks cómo se creó el cómic y por qué desapareció su autor. En un tono más documental, las circunstancias de su vuelta y la adaptación de su obra. Y por último, en un ejercicio de metacine, fragmentos de ésta ya rodada, que nos dan más pistas para completar el puzzle. En "Estirpe", el cómic, Ciclón y Mara luchan contra el Cuarto Reich alemán que quieren invadir nuestro país, todavía gobernado por Franco.


15 de agosto de 2017

Revista Androide Paranoide y su especial sobre Robocop

Abrimos el número 2 de la revista de Androide Paranoide con la banda sonora de fondo de la película Robocop, la buena, la de 1987. Es imposible evitar que se le pongan los pelos de punta a uno mientras suena el “ti-ti-ti, ti-ti-ti, ti-ti-ti” del noticiario que trae sangrientas noticias de última hora y es que no es para menos ya que esta fantástica revista ha entrevistado no a una, sino a más de 20 personas relacionadas de un modo u otro con el personaje mitad hombre mitad máquina, desde actores de las diversas películas y series hasta al escultor de la mega estatua que pondrán en Detroit en breve gracias al crowdfunding.


13 de agosto de 2017

The Imitation Game. Descubriendo a Alan Turing.

Notable film de espionaje, menos afortunado film biográfico, y encubierta denuncia social como excusa para conocer a un personaje sorprendente.

 Como thriller engancha desde el primer fotograma. Hay pocos desafíos más sugerentes para las mentes crecidas en el siglo XX que los ingenios nazis de la Segunda Guerra Mundial, tan eficientes en sus descarnados cometidos. Es el caso de la impenetrable máquina encriptadora de mensajes del ejército alemán Enigma.

Actuando como el primer hacker informático de la historia, dispuesto a reventar la privacidad nazi, un genio matemático llamado Alan Turing, héroe en la sombra librando sus batallas decisivas lejos de la primera línea de combate, pero alejado también del reconocimento del que a veces gozan aquéllos.

8 de agosto de 2017

Crudo. Justo en su punto.

Con Crudo tenemos una muestra más de lo bella que es la libertad de expresión cuando se puede ejercer sin miedos ni cortapisas. En Crudo se muestran escenas grotescas y situaciones aberrantes que surjen de la cabeza de su directora y guionista, Julia Ducournau, que imagino que al ser mujer se considera este trabajo cono un acto de empoderamiento. Si el director fuera un hombre seguramente sería duramente atacado por hacer extrañas insinuaciones sobre el cuerpo de la mujer y por presentarla como alguien que se debe a sus más bajos instintos. Lo raro es que alguna de sus actrices no se haya desvinculado con la película, como se ha hecho recientemente en España.



6 de agosto de 2017

Baby Driver. Nunca pierdas el compás.

Bajo un título un tanto cursi, con el hermano anodino de la serie Divergente al frente del reparto, nos encontramos una de las propuestas más originales e interesantes del año.
 No fueron su actor protagonista ni su estética teenager el reclamo para llevarme hasta la sala de cine, lo fueron en cambio las reiteradas referencias a su virtuosismo en la sala de montaje, y al argumento irresistible de una buena banda sonora, que unidos, en mi opinión conforman la ecuación perfecta cuando se apagan las luces de una sala.

Esperaba un despliegue técnico sensacional y lo encontré desde lo títulos iniciales. Lo que realmente me sorprendió fue el inesperado talento del bueno de Ansel Elgort, el reparto secundario (nada secundario), y el estilo imaginativo y seguro de si mismo del director Edgar Wright.

1 de agosto de 2017

Okja. Está claro que Netflix no es Mirando


Okja es un producto curioso, entretenido y agradable. Una historia con claros mensajes entre líneas. Un batiburrillo que dispara a todo y a todos: las mega empresas, el cambio climático, la crisis económica, las hambrunas, la comida basura, el maltrato animal, la corrupción política, hasta tiene referencias hacia el holocausto judío. Es una navaja suiza de quejas y denuncias. 

Vamos por partes, como pretenden hacer con sus protagonistas.

29 de julio de 2017

Billy Lynn. El delicado equilibrio entre la crítica (social) y la propaganda (militar).

Billy Lynn, dirigida por Ang Lee, pasará a la historia por ser la primera película rodada en 120 fotogramas por segundo. Hecho totalmente anecdótico pues en la actualidad solo hay cuatro salas en el mundo capaces de reproducir en dicho formato y están todas en los Estados Unidos de América, país que nos queda un poco a desmano a los que escribimos y leemos habitualmente esta Web.

Tendremos entonces que conformarnos  con la versión estándar y juzgarla, no por la técnica  empleada, sino por el contenido propio. ¿Y cual es el veredicto? Otra buena muestra del buen pulso del director taiwanés para filmar historias de personajes con problemas para adaptarse a las circunstancias que le ha tocado vivir, y ejemplo soberbio de un inteligente guión (basado en la novela de Ben Fountain) capaz de conjugar la más ácida crítica social y política con un elogio sin fisuras a aquellos soldados que paradójicamente conforman el estamento militar que se critica.

Uno podría pensar que aunque las guerras las crean dirigentes ineptos y sin escrúpulos como Sadam Hussein y George Bush Jr., las ejecutan soldados que de manera voluntaria se han alistado en las filas para, ciegamente, obedecer las ordenes de sus superiores y matar a quienes les digan que deben matar. Si nadie se alistase, no voy a caer en el tópico ramplón de decir que ya no habría más guerras, pero desde luego estas serían muy diferentes y los dirigentes serían más cautos a la hora de invadir países porque sí, porque yo lo valgo.

25 de julio de 2017

Imperium. Cuando la magia se transforma en fascismo

Daniel Radcliffe lo está haciendo cada vez mejor. Se va quitando poco a poco la almibarada sotana del joven Harry Potter y, para alegría de algunos de nosotros, se está transformando en lo que parece que es: un actor con una buena capacidad de registros y muy válido para enfrentarse a otros papeles que no conlleven portar varitas mágicas ni coger un tren a Hogwarts.

Imperium es un reflejo de ello, una de sus últimas películas en la que la única magia es aquella que atrapa a las personas con los dulces cantos de sirena de las ideologías extremistas, tanto las de izquierdas como las de derechas. Imperium se basa en estas últimas pero podemos ver a títeres humanos enarbolando banderas de ambos lados. Está claro que la obediencia pasiva y la fe infantil constituyen el peor de los males que es posible imaginar. Por cierto, frase esta de Hitler. ¡Qué cosas, eh!

22 de julio de 2017

El joven Paulo Coelho. A la espera del Alquimista

Si existe hoy en día un personaje controvertido en el mundo de la literatura ese es Paulo Coelho. Es el escritor vivo más traducido del mundo, uno de los más vendidos y sus artículos se publican en revistas de multitud de países, sin embargo cada nuevo libro suyo (ya más de treinta) es dilapidado por la critica y sus colegas escritores no suelen ser más benevolentes con él. Cuanto de envidia e incomprensión hay en estas valoraciones es algo que se escapa a mi conocimiento, yo he leído y disfrutado alguna de sus obras y en ningún caso me parece un escritor mediocre.

Nos llega ahora desde Brasil no una adaptación de alguna de sus más emblemáticas obras (¡para cuando El Alquimista!) sino un interesante aunque un tanto deslavazado biopic que recorre diferentes épocas de la vida de Paulo Coelho y que por desgracia no llega a cuajar en la gran película que hubiéramos deseado.

18 de julio de 2017

George A. Romero. La muerte le debe tanto.

Los zombis, si algún sentimiento pueden guardar en sus corazones estancados aparte de la obsesión por comer sesos humanos, hoy experimentarán algo parecido al dolor. Si esas hordas de seres en descomposición tuvieran que elegir a un padre, no sería desde luego el ser humano que les dio el apellido; elegirían sin dudarlo a George A. Romero.

El director de neoyorquino de ascendencia cubana - lituana que dedicó su vida al cine de terror, de serie "B" como comenzó a llamarse, pero que bien podría ser simplemente, el cine que podía permitirse un director sin tener que vender su alma al diablo, o a los contratos esclavizadores.


16 de julio de 2017

Contratiempo. Por el buen camino.

Decían mis compañeros de Web a raíz de la crítica de “El guardián invisible” que el thriller nacional se hace adulto, y grandes películas como "Contratiempo" no hacen más que corroborar dicha afirmación.

Sin embargo su paso por los cines ha causado una de las mayores controversias de los últimos tiempos. Gran parte de la critica la ha dilapidado sin compasión mientras que una menor parte alabaron su compleja puesta en escena y su montaje. Yo me inclino sin duda alguna hacia este último grupo pues creo que este es uno de los thrillers más inteligentes y mejor ejecutados que se han hecho en este país.

11 de julio de 2017

Land of Mine. Quien siembra minas, recoge…

Parece que se ha dicho todo acerca de la II Guerra Mundial. Batallas gigantescas, millones de muertos, crueldad sin límites, héroes anónimos y multitud de ingredientes más han configurado cientos de historias relacionadas con tan duro pasaje bélico. Como espectador hemos disfrutado y sufrido en tantos terrenos de combate que es difícil encontrar nuevos aspectos que nos pillen desprevenidos.

Land of Mine lo logra. Encuentra un resquicio por dónde hacer palanca y nos asoma a un hueco muy desconocido. La posguerra en una Dinamarca recién liberada de la ocupación alemana.


8 de julio de 2017

Desconexión. Un amargo espejo en el que mirarse.

Hay películas que marcan el pulso de una generación, que trascienden sus propios e innegables méritos, y se convierten en fiel reflejo de la época que les ha tocado vivir, narrando de forma honesta sus principales virtudes, defectos y aparentes bondades.

Hay películas que sin proponérselo consiguen ese pequeño milagro, y “Desconexión”, de Henry Alex Rubin, pertenece a ese raro y selecto grupo.

A una dirección precisa, que acierta a destacar los momentos cúlmenes de la historia, se le une el excelente trabajo del amplio reparto de actores protagonistas y el gran guión firmado por Andrew Stern, donde subyace la soledad de unos personajes marcados por pequeñas y grandes tragedias, incapaces de comunicarse entre sí y más pendientes del ser digital que se esconde tras la pantalla del móvil u ordenador, que de los seres humanos con los que tienen contacto directo día tras día.

4 de julio de 2017

Hablamos con el cómico Pedro Brandariz

Recientemente, con motivo de la presentación de una Laboratorio Audiovisual, tuvimos la oportunidad de conocer personalmente al gran cómico Pedro Brandariz, muy reconocido y reconocible en Galicia debido a sus múltiples apariciones en programas de TV, web series, monólogos y otros espectáculos en directo.
No pudimos resistir la tentación de hacerle multitud de preguntas así aquí os dejamos el resultado.

¿Cómo puedes definir a Pedro Brandariz?


Empezamos fuerte. Eso de definirse a uno mismo no es tarea fácil, pero como esta pregunta siempre cae en el examen ya la tengo preparada. Pedro Brandariz es un cómico, en el sentido máis amplio de la palabra. Hago clown, monólogos, stand-up, teatro cómico, humor en TV y cualquier formato que se presente. Cómico en el sentido más amplio de la palabra, incluso como filosofía de vida. No sabría hacer otra cosa que no fuese comedia o humor. ¿A que me ha quedado bien la respuesta?

2 de julio de 2017

Wonder Woman. Ellas son maravillosas.

Quién lo iba a decir. Que una película de superhéroes nacida a la sombra de sus hermanos mayores (Superman, Batman), sea la última sensación y esté dando qué hablar tanto en reacciones del público como en taquilla. Sobrepasando incluso el mero concepto de taquillazo y erigiéndose como símbolo de igualdad de sexos o cine hecho por mujeres...

Suena a hallazgo, o a encubierta campaña de márketing, al más puro estilo de esas cintas de terror donde alguien se desmaya casualmente durante el estreno. Abrazar causas mayores para disimular carencias o ideas mediocres. Con esa actitud, crítica y escéptica, es la que aconsejo ir a ver Wonder Woman (Patty Jenkins, 2017) después de tantos cantos de sirena acerca de la calidad de superproducciones y posterior decepción, de tamaño proporcional a la expectativa. Demasiados batacazos acumula el cine de superheroínas (Catwoman, Elektra, Aeon Flux...) enterrando a veces carreras enteras de manera injusta.

Pero un resquicio de esperanza permanecía ¿serán ciertos los rumores? Al fin y al cabo en el enfrentamiento Batman vs Superman, Wonder Woman se merendó a los dos juntos en apenas 10 minutos. Pero claro, una cosa es aparecer como revulsivo en el tramo final de una película bastante irregular, y otra muy distinta sostener tu propia historia durante más de dos horas y que no se te vean las costuras... ¿qué hay detrás de Wonder Woman?

27 de junio de 2017

The Belko Experiment. ¡Sufre miserable empleado!

Estamos ante una nueva vuelta de tuerca del famoso “There can be only one” de los Inmortales (1986). La idea de encerrar a un grupo de personas y obligarles a que se maten unas a las otras hasta que solo quede uno cobra de nuevo plena vigencia y, a pesar de ser ya conocida, no deja de aportar entretenidos productos como el que aquí tenemos.

¿Y qué tenemos? Pues primero de todo a una empresa que debió ser inscrita en el registro mercantil por el mismo Satán. Belko Industries tiene un ojo como logotipo que ya augura que no deja nada al azar y que nada se le escapa. Empresa misteriosa y omnipresente que, sin embargo, permite algunas filtraciones de libertad dentro de sus paredes como es aquella pintada en los baños que proponía: “Belko puede comerme el coño”.

26 de junio de 2017

La Momia. Añorando a Boris Karloff.


Una producción del tamaño de La Momia parte desde el comienzo con todo el poso legendario que le aportan los clásicos.

 El legado de Boris Karloff es un intangible que pone a tu producción directamente en el centro de atención. Pero, al igual que en un viejo sepulcro egipcio, se debe pagar un precio si no se accede a él con el debido respeto, y desde luego si las intenciones de son las de mercadear semejante legado con la única intención de convertirlo en oro, corremos el riesgo de sufrir la peor de las maldiciones: la que lleva a ver a decenas de ejecutivos de Universal Pictures tiñendo sus cuentas de números rojos. Cuando se retoma, se revisita (o como quiera que se llame ahora) a un clásico, hay unos rituales que nadie se puede saltar, da igual que te llames Howard Carter o Tom Cruise.

Y es que lo peor que le puede pasar a una película es no saber quién quiere ser, qué quiere contar, o a qué público se quiere dirigir.


20 de junio de 2017

Creación del Laboratorio Audiovisual de Innovación y Creación

Hoy no habrá crítica de cine o serie. Hoy hablaremos sobre una interesenta iniciativa que surge en la ciudad de A Coruña, el Laboratorio Audiovisual de Innovación y Creación (LAIC). Recientemente, Celuloide Paranoide acudió a la presentación del programa Coruña Dixital que regresa este año con el foco puesto en el talento audiovisual poniendo en marcha el Laboratorio Audiovisual de Innovación y Creación. Este programa busca crear un espacio de encuentro, colaboración y aprendizaje para personas y colectivos interesados en la cultura audiovisual contemporánea, los nuevos medios y la transformación digital.



17 de junio de 2017

“Déjame salir” (de esta sociedad de mierda.)

Cayendo en la tópica expresión, hay que reconocer que esta película supone un nuevo soplo de aire fresco dentro del cine de terror de estos últimos años, que poco a poco ha ido superando el profundo pozo de reiteración y escasa originalidad en el que estuvo sumergido en los años 90 por culpa del exceso de continuaciones en sagas ya agotadas y la nula calidad de estas.

“Scream” en 1996 revitalizando los slasher fue el primer paso dado en la dirección correcta, pero la gran revolución llegó dos años después con tres películas seminales que dejaban atrás el abuso del gore y el exceso de los efectos especiales, marcando así el camino a seguir: la japonesa “Ringu” (1998), “El proyecto de la bruja de Blair” (1999) que inaugura el fértil subgénero del metraje encontrado y “El sexto sentido” (1999), con un soberbio guión que trataba de forma adulta y muy inteligente el socorrido tema de la vida después de la muerte y que podemos considerar como una de las escasas obras maestras absolutas del cine de misterio y terror.


13 de junio de 2017

El cuento de la criada. Distopía futura que da pavor

Redonda. Como las barrigas de las embarazadas que surgen con cuentagotas. Esta serie es un “must-see” como dirían los modernos. Vamos, que hay que verla. El Cuento de la Criada es una serie de reciente emisión del canal HBO. Algunos no han dudado en calificarla como la serie del año. Tal vez, pero yo no me atrevería a tanto, existiendo otras joyas como las nuevas temporadas de House of Cards, Juego de Tronos y Westworld. Lo que sí es indiscutible es que estamos ante un producto de muy buena calidad y factura.

La serie está basada en un libro que hizo famosa a su autora, la canadiense Margaret Atwood, publicado en 1985. Cinco años después, tuvo una versión cinematográfica dirigida por Volker Schlöndorff, protagonizada por Natasha Richardson, Faye Dunaway y Robert Duvall; pero esta pasó sin pena ni gloria. Por fin, la serie actual le hace justicia, siempre con las limitaciones propias de las adaptaciones de los libros a la pantalla.


11 de junio de 2017

Adam West. Lo siento Christian Bale, él siempre será Batman.


Esta madrugada nos dejaba Adam West (1928-2017), el inolvidable Batman que encarnó al superhéroe allá por los años 60, pero recordado y respetado por todo el universo fan hasta nuestros días.

Son suyos los planos de fachadas tumbadas en el suelo por las que se caminaba tirando de una cuerda, las escenas de luchas rematadas por unas onomatopeyas impronunciables para el castellano, los trajes ajustados para aquella época pero que hoy nos parecen pijamas...

Pero también echamos de menos los cuerpos normales (hoy llamados fofisanos), los planos en los que todo lo que aparecía en pantalla estaba ahí, y muy especialmente las tramas más simples, los héroes no-atormentados por crisis de identidad. El Batman y Robin de West estaba más cerca de Triton-Man y el Chico Percebe que del Batman de Ben Affleck y demás, donde el ritmo de las historias se sumerge en el barroquismo y oscuridad de quien tiene que fingir vender un producto de pretendida densidad intelectual.

Sirva como nuestro particular homenaje a nuestro querido Adam West un bat-tour por todas las películas (oficiales) que nos ha dejado el misterioso hombre murciélago ¿nos acompañas?


6 de junio de 2017

The Founder. Alguno no se chupa el dedo

¿Hasta dónde puede llegar el morro más absoluto? ¿El ansia de prosperar en los negocios debería tener algún límite moral? ¿Pisotear a los demás en beneficio propio forma parte del make business? Parecen preguntas con respuestas fáciles, pero la verdad es que es todo lo contrario a lo que muestra la película que tocamos hoy “The Founder”.

Ya el propio título así como la portada aportan una información ambigua. Ponen a Michael Keaton, que interpreta a Ray Kroc como el “fundador” de McDonald’s, cuando la realidad es que los que tuvieron la idea original fueron dos hermanos, los hermanos McDonald, que habían ideado un fantástico sistema de entrega rápida de hamburguesas. 

3 de junio de 2017

Beyond the black rainbow. La hermosa oscuridad de un arco iris lisérgico.

Película olvidada, maldita, de una tenebrosa belleza pocas veces igualada en el cine contemporáneo y, por qué negarlo, rara de cojones.

Por desgracia fueron muy pocos los que se enteraron en su momento de la creación de esta singular y desconcertante obra, primer y por ahora único trabajo del director canadiense Panos Cosmatos (hijo del también director George P. Cosmatos, autor de obras tan estimables como Tombstone y El puente de Cassandra, y de otras más comerciales pero de dudosa relevancia como Rambo II y Cobra).

Beyond the black rainbow pertenece a ese tipo de cine ya casi en desuso, elaborado a partir de un código visual impecable, escasos diálogos y un pausado modo de narrar que a unos pocos nos servirá para adentrarnos más en el singular mundo del director pero que, lo reconozco, a una gran mayoría les resultará insufrible.


30 de mayo de 2017

Piratas del Caribe: La Venganza de Salazar. Joachim Rønning endereza el rumbo.

¿Cuál puede ser la motivación para acercarse a ver la última de Piratas del Caribe?

En mi caso, desde la subjetividad más absoluta, decidí que iría a verla cuando me enteré que al frente del proyecto estaría un tal Joachim Rønning. Este director noruego es responsable de la muy recomendable Kon Tiki (2012). Para ser honestos, previamente había decidido que no volvería a perder el tiempo ni el dinero en ver a Johnny Depp haciendo una caricatura de si mismo después del naufragio soporífero que me supuso la anterior En Mareas Misteriosas (Rob Marshall, 2012).

 Así que decidí dar una oportunidad a una franquicia a la que consideraba en la deriva más absoluta, y qué os voy a decir, puede que por ese elemento ajeno a nuestro control pero que influye tanto en nuestro criterio final: la expectativa,... resulta que he encontrado bastantes más luces que sombras en Piratas del Caribe: la Venganza de Salazar.


28 de mayo de 2017

Expotaku A Coruña 2017. Buen rollo bajo capas de foam

Hemos estado en la edición 2017 de Expotaku A Coruña. Tres días de reinado intensivo de goma EVA, foam, pintura corporal, mallas, pelucas de colores, espadas monstruosas y lentillas de infarto.

Los cosplayers, jugones, fans, o como uno les quiera llamar, son legión y eso es una realidad incontestable. El evento Expotaku mantiene su espíritu caótico y desorganizado, pero que las ganas de pasarselo bien de los asistentes cubre con creces dichos defectos.

23 de mayo de 2017

Alien: Covenant. Come, que estás creciendo.

Forma parte de una liturgia cada vez que se revisa un clásico: que se alcen las voces, que se enciendan todas las alarmas, y que una marabunta de fanáticos se rasguen las vestiduras. Y si a eso le añadimos la animadversión que suele despertar Ridley Scott entre los críticos, es mejor que nos acerquemos a ver Alien: Covenant sin hacer demasiado caso de las críticas (salvo esta, por supuesto), que ya somos mayores para sacar nuestras propias conclusiones, y en todo caso después de haberla disfrutado/denostado.

Cuesta saber porqué Ridley Scott tiene tiene tantos detractores siendo responsable de enormes títulos. Puede ser el típico caso de director que ha sido víctima de su propio éxito. Su ópera prima Los Duelistas (1977), es una obra redonda de visionado imprescindible. Después llegaron Alien: el octavo pasajero (1979) y Blade Runner (1982) (la secuela de esta última es esperada con igual dosis de expectación como recelo). El cine de ciencia ficción había sido reinventado por completo, como hicieran Kubrick o Lucas. Pero a diferencia de ellos, Ridley Scott nunca contó con una legión de periodistas incondicionales. Quizá no se le perdonaron sus orígenes como publicista de éxito, o que su cine fuera accesible y sus estrenos se contaran por éxitos comerciales. El caso es que siempre hubo un sector de la crítica esperando el próximo fracaso del señor Scott, aunque para ello tengan que obviar sus virtudes, cosa imperdonable en un crítico.

21 de mayo de 2017

Twin Peaks. (1ª y 2ª temporada) Recordando a un clásico.

¿La mejor serie de la historia de la televisión?

En su momento sí. Actualmente, y debido a la feroz competencia, difícil de decidir, pero sin duda y para siempre una de las grandes. Lástima ese ligero bajón a mitad de la segunda temporada tras la marcha fugaz de sus dos creadores, David Lynch y Marc Frost, que afortunadamente regresaron a tiempo para escribir los últimos capítulos y cerrarla con dignidad, aunque quizá dejando demasiados cabos sueltos.

Lo que sí podemos considerarla es la madre, y casi diría que hasta el padre, de la edad de oro de las series que actualmente estamos viviendo. Marcó las reglas a seguir y acabó con el absurdo complejo que arrastraba toda serie creada para televisión y que en cierta manera la obligaba a ser solo producto de entretenimiento (de usar y tirar) y la imposibilitaba a competir de tú a tú con el mundo del cine.
El gran mérito de Lynch ha sido el de derribar esos tabúes y trabajar con la misma dedicación profesional que si fuera una película pero adaptándolo al formato televisivo. Ahí están las pausas para publicidad, el formato de culebrón (del que eran plenamente conscientes ambos creadores dando excelentes momentos de autoparodia) y la habitual tendencia a retorcer y alargar demasiado las tramas.

16 de mayo de 2017

Shin Godzilla. Tokyus. Altius. Fortius


¡Ahí está! ¡El gran gigante nipón! No, no estoy hablando del Monte Fuji, me refiero al gran Godzilla que gracias a sus aliados los efectos digitales y la democratización de las nuevas tecnologías en el cine le han permitido seguir disfrutando de agradables muestras de que el gran saurio japonés está más vivo que nunca, más radioactivo que nunca y tiene a sus vecinos del Sol Naciente más atemorizados que nunca.

Shin Godzilla es una película reciente, con todos los ingredientes para que el cóctel Godzilla funcione a la perfección: autoculpabilidad medioambiental, miedos colectivos a la bomba nuclear, destrucción imparable, David contra Goliath y la gran capacidad japonesa de sobreponerse ante la adversidad y trabajar en conjunto, como una sola persona.


13 de mayo de 2017

“Born to be blue” vs “Let’s get Lost”. Vida y miserias de Chet Baker.

“Born to be blue”, película dirigida por Robert Budreau, nos muestra un comienzo prometedor, con una curiosa metaficción donde el actor Ethan Hawke interpreta a un Chet Baker que a su vez se interpreta sí mismo en una hipotética película que se está rodando sobre su vida.

Por desgracia a partir de aquí se acaban las concesiones a la originalidad y todo transcurrirá por senderos ya vistos y demasiado trillados, enfatizando demasiado, como casi siempre, las relaciones románticas del protagonista, alterando en exceso los hechos reales, y cayendo en la tópica trama de caída en los infiernos con su consiguiente recuperación y redención que le sirve al siempre competente actor americano para lucirse  e interpretar con solvencia algunos de los clásicos del genial trompetista.

9 de mayo de 2017

Expotaku 2017 A Coruña

La ExpOtaku 2017 vuelve a A Coruña. De nuevo todos los fans de aquí y de allá tienen una buena excusa para mostrar su flamantes y recientes trajes y caracterizaciones de sus personajes favoritos del cine, TV y cómic. Amigo, nunca ofendas a un "cosplayer" preguntándole de qué va disfrazado. Los "cosplayers" no se disfrazan, se caracterizan. Y más mérito tiene todavía que la mayor parte de esos trajes son elaborados por ellos mismos.




7 de mayo de 2017

Premios II Festival FindeCurta


El auditorio se quedó pequeño. Este podría ser el titular de la entrega de premios en el segundo festival de cortometrajes FindeCurta en Lugo el pasado 5 de Mayo.

 Es cierto que la climatología hizo imposible la proyección al aire libre en el marco incomparable de la Plaza de Santa María, en el mismo centro histórico de la milenaria ciudad romana. No vamos a apelar a la mala suerte, es que estamos en primavera y es lo que toca.

Pero el auditorio de la Casa do Saber, construida sobre el templo dedicado al dios Mitra más occidental del mundo, se vio rapidamente sobrepasado en aforo. Numeroso público intentando acceder al recinto con las puertas ya cerradas, espectadores aprovechando cualquier resquicio que permiten las modernas estructuras acristaladas para asistir de manera semifurtiva a la proyección...

Más allá de la evidente incomodidad de aqúellos que no pudieron entrar, les diré que da un gustazo tremendo ver a gente afanándose por entrar a ver una sesión de cortometrajes.


2 de mayo de 2017

“David Lynch: The Art Life.” El arte de fumar.


Un tanto frío me ha dejado este documental sobre la vida de David Lynch.

 Los tres directores, Rick Barnes, Jon Nguyen y Oliva Neergaard-Holm han planteado un enfoque minimalista, casi de confesionario, donde el polifacético creador solo frente al micrófono y fumando compulsivamente un cigarrillo tras otro como si su vida dependiera de ello, relata sus recuerdos sobre su infancia, adolescencia y años de estudio, alternándolo con secuencias donde lo vemos trabajar en su estudio en lo que es su gran pasión, la pintura abstracta, junto con otras de corte más familiar donde juega con su hija.

30 de abril de 2017

¡Larga vida al cortometraje!

Quizás sea la consecuencia natural. Que en tiempos de pensamiento inmediato, de argumentaciones exprés, de mensajes ultracomprimidos, el largometraje de 120 minutos se encuentre con espacios a los que por su tamaño, no puede llegar.

Puede que por eso el cortometraje goza de una salud envidiable. Lo mejor del caso es que ya no se trata solo de una tarjeta de presentación, un currículum enviado al universo con la esperanza de que lo recoja alguien con posibilidad de hacer un largo.

Si el cortometraje era llamado hasta hace poco "el hermano menor" del largometraje, este hermano menor ya se ha hecho adulto, ha desarrollado su propia identidad, y se ha buscado su sitio.

25 de abril de 2017

The Dark Tapes. Brilliant Future

La crítica de hoy se la debemos al director Michael McQuown quien muy amablemente nos ha invitado a visualizar su nueva película "The Dark Tapes" que se ha estrenado en las plataforma de video bajo demanda desde el pasado 18 de abril.

Es una película que bebe de diversas fuentes muy reconocibles. En un vistazo inicial podemos identificarla como del nuevo estilo "metraje encontrado" o "found footage", sin embargo, mientras se avanza en su visualización, comprobamos que la película es un conjunto de mini historias o segmentos que nos evocan a películas clásicas como Poltergeist (1982), otras más modernas como Paranormal Activity (2007) y un servidor añadiría una referencia al fantástico juego de Monolith Productions, F.E.A.R. (2005) especialmente el papel de Alma.