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Mostrando entradas de 2017

Una Especie de Familia. Una realidad sin paños calientes.

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Acaba de llegar a nuestras pantallas Una Especie de Familia, la última película del argentino Diego Lerman (La Mirada Invisible, 2010). Se trata de una interesante alternativa ahora que el ruido de sables (láser) de otros grandes estrenos va dejando espacio a diferentes sensibilidades dentro del cine.

 Y no penséis que os recomendamos cualquier cosa, se trata de una película que en su exhibición por distintos festivales se ha llevado premios en el Festival de Chicago (Mejor Película) y San Sebastián (Mejor Guión para Diego Lerman y María Meira).

Sus argumentos, lejos de las escenas de acción imposibles y mastodónticas batallas, son una fuerza dramática ininterrumpida y creciente durante todo el metraje, y Bábara Lennie, la mirada más intensa y llena de matices del actual cine español.

Saga Star Wars. Una crítica diferente: Los últimos Jedi.

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Confirmada la triste noticia de que Abrams dirigirá finalmente la tercera parte y puesto que en Estado Unidos no tienen a su particular Rufián que le diga: ¡quite sus sucias manos de la saga Star Wars! (si por un casual Abrams lee esto algún día, que no se enfade, su Star Trek me pareció una maravilla, pero lo que hizo con “El despertar de la Fuerza” fue un poco ruin) quedaba esta segunda parte como la única oportunidad de ver algo decente de esta trilogía. ¿Se han cumplido las expectativas?

Sí. Plenamente. Por fin tenemos una nueva película de nuestra saga favorita que emociona, entretiene y sorprende como lo había hecho la trilogía original. O al menos casi. “Los últimos Jedi” es lo que debería haber sido “El despertar de la Fuerza”, recupera el espíritu de “El Imperio Contraataca” y en cierto modo se inspira en ella, pero para crear algo nuevo, con entidad propia, que no cae en la bajeza de calcar la estructura y personajes de la obra madre.


Star Wars. Las nuevas.

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Capitulo VII. El despertar de la Fuerza.

En algún lugar de Hollywood, California, minutos después de que J.J. Abrams proyectara por primera vez “El despertar de la Fuerza” a los mandamases del Imperio Galáctico, perdón, de la corporación Disney.
J.J. Abrams- Y bien, ¿que os ha parecido? Todos los jefazos miran expectantes al Gran Jefazo antes de contestar. Gran Jefazo- Bien... Todos los demás asienten a la vez y responden al unísono: Bien, bien... Gran Jefazo- Pero... Todos lo miran expectantes. J.J.- ¿Pero? Gran Jefazo- Puede que haya sido solo impresión mía, pero... ¿no es una copia descarada de la “Guerra de las Galaxias”? J.J.- Sí, por supuesto, era demasiado trabajo escribir un guión nuevo, así que cogimos el de “Una nueva esperanza”, le cambiamos cuatro cosas, y ya está. Gran Jefazo- Recuerde que intentamos lo mismo con “Superman Returns” y no funcionó. Perdimos mucho dinero con aquello. J.J.- La culpa fue de los críticos, que destaparon la liebre. Ya he solucionado eso. Están todos compra…

Star Wars. Las precuelas.

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Capítulo I. La amenaza fantasma.

Con qué emoción esperábamos esta película, con qué ganas, quizá en las historia del cine nunca antes una película había despertado tal expectación (salvo “El Padrino III”), y al final... a todos nos quedo un amargo regusto de ligera/enorme (elijan ustedes) decepción. Son tantos y tan grandes los errores en que cayó George Lucas que necesitaría un tomo enciclopédico para enumerarlos todos. Desde la desafortunada elección del niño para interpretar a Anakin (no porque lo hiciera mal, que ahí creo que cumplió con dignidad, sino porque no tenía el físico idóneo para ese papel) pasando por una trama aburrida, unos personajes ausentes de carisma, un malo completamente desaprovechado, los midiclorianos... en fin, que les voy a contar que ustedes no sepan.


Saga Star Wars. Una crítica diferente.

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Puesto que se acerca el estreno de la esperadísima “Los últimos Jedi”, qué mejor ocasión para revisar toda la saga desde una perspectiva más desenfadada y un poco diferente a la habitual. Libérense de prejuicios, empápense de nostalgia y desempolven sus sables láser, nos adentramos en la Space Opera que, para mal o para bien, cambió para siempre el modo de hacer cine en esa casa de sueños y pesadillas (sobre todo para algunas actrices) que es Hollywood. Espero que la disfruten.

En Este Rincón del Mundo. La cotidianidad de la guerra.

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Hoy os traemos un nuevo ejemplo de la grandeza del actual cine de animación japonés y de la variedad de estilos que alcanza dicho formato.

“En este rincón del mundo”, basado en un manga de Fumiyo Kono, se aparta de habitual dibujo de ojos desproporcionados y rostros exagerados para volver a un estilo clásico de animación, relativamente sencillo pero de gran carga poética e impecable ejecución, que se adapta como un guante a la historia costumbrista que nos va a contar. La protagonista, Suzu, es una muchacha ingenua y soñadora con un gran talento natural para el dibujo (reflejado en secuencias pictóricas de gran belleza  y originalidad que servirán para trasladar de manera poética y la vez fidedigna como ve ella el mundo) y que encara siempre con optimismo y naturalidad los traspiés que le va poniendo la vida.

Históricamente la película se centra en los años de la segunda guerra mundial en Japón y en cómo la población civil tuvo que soportar con su habitual estoicismo la excesiva rigid…

En realidad, nunca estuviste aquí. Yo, por desgracia, tampoco.

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Tardo media hora en encontrar sitio para aparcar. Mal comienzo. Bajo del coche, sin paraguas, y comienza a llover. Vaya. Llego al cine empapado y me pierdo los cinco primeros minutos. Pésimo presagio.
Si todos estos nefastos acontecimientos y mi consecuente mal humor influyeron en mi percepción de esta película es algo que solo un psicólogo avezado podrá adivinar, lo que sí puede asegurarles es que mis expectativas para esta película eran altísimas, tanto por los espectaculares críticas precedentes como por la magnifica impresión que me causó la anterior cinta de esta directora, y sin embargo cuando se apagó el proyector mi estado de animo oscilaba entre el aturdimiento y la decepción.
Seamos claros, “En realidad nunca estuviste aquí” está en el polo opuesto de lo que es una mala película. Es más, tiene todo lo que me gusta del buen cine de autor: una dirección imaginativa y arriesgada, un guión contundente y sesgado que tienes que terminar de montar en tu cabeza, acertada y valiente…

Liga de la Justicia. Creando nuestros propios dioses.

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La navidad es un fecha ya de por si cargada de excesos de todo tipo. Nos obliga a darnos atracones de costumbres, comidas y lugares comunes hasta el extremo de producirnos rechazo lo que en cantidades moderadas nos encantaría.

Esto llevado al cine se traduce en una sobredosis cine de personas con capa y atuendos a cada cual más ridículo (que superan facilmente a la dosis de marisco y reuniones familiares), pero sin los cuales sería imposible hacer un retrato veraz, nos guste o no, de lo que es el cine de nuestros días.

Imposible pasar por alto la avalancha de super héroes, su universo cada vez más complejo y entrelazado, que en un futuro será digno de un estudio antropológico. Quién sabe si posteriores culturas que vendrán, encontrarán estas historias y las entenderán como si fueran nuestros propios mitos, suponiendo que creíamos en ellos como verdaderas divinidades. En ese caso tendrían de nosotros una imagen muy similar a la que tenemos de un habitante de la Grecia de Homero o la R…

Fargo. La belleza de la locura por episodios

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Fargo (1996), la película de los hermanos Cohen siempre brilló con luz propia. La genial combinación de asesinatos, paisajes helados y la peculiar idiosincrasia de sus personajes se transformaron en un cóctel exquisito que uno bebe de un trago ansioso y lamentando, posteriormente, que se acabase y que no haya más. Se acabó el batido de chocolate, el martini seco, la cerveza con limón, el café dulce… uno quiere más pero se acabó. C'est finí! … ¿O no?

¡Pues no! ¿Querías Fargo? Pues toma 7 tazas. Mejor dicho. ¡Toma 30 tazas! 30 tazas como los 30 episodios que componen las tres temporadas de la fantástica serie apadrinada por los hermanos Cohen aunque dirigida por multitud de directores que han sabido respetar la esencia de la película.

El autor. Los peligros de la creación.

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Si en su anterior película Manuel Martín Cuenca nos mostraba a un psicópata que en cierto modo conseguía humanizarse, en un curioso paralelismo veremos en su última obra el camino inverso, el de una persona con una vida normal, casado y con trabajo estable, a quien los reveses del destino y su obsesión por convertirse en un gran escritor lo llevará a convertirse en un perverso manipulador de las vidas y las emociones de sus desgraciados vecinos.

Inspirado en la primera novela de Javier Cercas, es “El autor” una película de género inclasificable, pues deambula de manera natural y nada artificiosa entre el drama, el esperpento y la sátira, con ciertos toques de cine negro, lo que nos da una historia mucho más dinámica y fácil de digerir que “Caníbal”, pero sin por ello renunciar a examinar con minuciosidad de detective la vida de su protagonista ni a profundizar en su compleja y retorcida psique.


It. Un inquietante payaso

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It es quizá la novela más emblemática de Stephen King y sin duda una de las mejores, pero se hacía de rogar una adaptación fiel (nos olvidamos de la mediocre miniserie que se realizó en los años 90) y con la calidad que se merecía. El tiempo de espera si bien ha merecido la pena porque el resultado final es una obra más que digna con una excelente recreación del payaso Pennywise y momentos de terror muy bien ejecutados, también debo confesar que no me ha llegado a emocionar con la intensidad que lo hizo en su momento el libro.

Creo que la complejidad y extensión de este novela pedía a gritos una serie de como mínimo doce episodios en los que poder desarrollar con la calma y profundidad adecuadas las múltiples tramas de la historia. En vez de eso han decidido dividir el libro en dos películas, una que narra los hechos de los protagonistas en su infancia y otra, aun por estrenar, en su vida adulta.

Si bien la idea no es del todo mala, vuelve a mostrarse insuficiente para representar fie…

Thor: Ragnarok. Colorido, frescura, y una banda sonora de locura.

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No vamos a hacer una crítica al uso. Redactar un comentario sobre otra película (más) del universo Marvel o DC pude resultar una tarea tediosa tanto para el que lee como para el que escribe. Es fácil, sin embargo hablar de la película que nos ocupa, y hacerlo sin spoilers simplemente haciendo referencia a todo lo que diferencia a "Thor: Rgnarok" de todas las demás, no solo de sus dos predecesoras sino de las producciones de super héroes en general.

Para ponernos en antecedentes, la franquicia nació con "Thor" (Kenneth Branagh, 2011) como una pieza más del universo Marvel que comenzaba a ordenarse de manera más o menos compleja. Su ilustre director suponemos que no habrá tenido mucho margen de maniobra para demostrar su formación clásica y dramática, pero ahí quedan sus 15 primeros minutos, desarrollados en Asgard y que son una excelente aproximación a la mitología nórdica. Si bien el pulso no se mantiene durante el resto de la película, está claramente por encima …

“Young and Promising”, normalidad nórdica excepcional

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“Young and Promising”, la respuesta nórdica a series como “Girls” o “Fleabag”. Una amable coming of age sobre los retos y complejidades de la vida de tres veinteañeras en Oslo. La monologuista Siri Seljeseth escribe y protagoniza la serie, que parte de su propia experiencia vital.

De la ficción escandinava conocemos de sobras series tan brutales como “Vikingos” o toda esa montaña de literatura noir que ha dado pie a múltiplas adaptaciones en forma de thriller de ambientación asfixiante, y de la que la saga “Millennium” seria el exponente más conocido.

No es tan habitual, no obstante, que una serie noruega que anda con los pies sobre el suelo, sobre tres jóvenes intentando triunfar en la vida, se expanda por Europa y lo haga con la buena acogida que “Young and Promising” (“Unge Lovende” en su versión original) lo ha hecho en los últimos meses.

Tras triunfar en el Channel 4 británico, Filmin estrena esta serie definida como “la respuesta nórdica a ‘Girls’”. Efectivamente, aquí también…

Wonders of the Sea 3D. O cómo conocimos a Arnold Schwarzenegger

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Era lo que se consideraba uno de los platos fuertes de la 65 edición del Festival de San Sebastián: la visita de Arnold Schwarzenegger. Conocer en persona a Terminator, a Conan el Bárbaro, Quaid de Desafío Total, al espía que pilota un Harrier en Mentiras Arriesgadas, al ex-gobernador de California...

El personaje tiene tal relevancia que eclipsa todo lo que está cerca de él. Incluyendo el proyecto que ha venido a presentar. Porque la llegada de una figura de tal calado se convierte en una liturgia de varios actos, que arranca incluso antes de su llegada al hotel. Cientos de fans y periodistas aguardando su aparición bajo la lluvia, haciendo ambiente de puro cine. Si no fuera por momentos como esos, los festivales se convertirían en una  simple sucesión de películas a proyectar.

Entonces le vemos a él, casi tan ancho como alto, la cara no tan estirada como nos habían hecho creer las malas lenguas, ropa informal y la actitud profesional que destilan las estrellas del otro lado del cha…

The Last Witch. Interesante punto de partida

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El post de hoy es más adecuado que nunca ahora que estamos en tiempos de Halloween. Sí, digo Halloween y no Samaín (como se intenta camuflar en Galicia) porque no entiendo muy bien la diferencia y creo que es una costumbre importada e impostada que se pretende disfrazar como algo autóctono por parte de ciertos grupos de interés. Parafraseando aquella comedia de Manuel Gómez Pereira ¿Por qué lo llaman Samaín cuando quieren decir Halloween? En fin.

La verdadera protagonista de este post no es la diatriba Samaín - Halloween sino la reciente película "The Last Witch" una película sobre brujas que, como decía al principio, viene muy a cuento con las celebraciones que estos días nos rodean.


Ni Jueza, Ni Sumisa (So Help me God). Cuando la realidad supera a la ficción.

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Deberían haber visto las caras de incredulidad, algunas de espanto, cuando se encendieron las luces del cine Kursaal en San Sebastián y finalizó la proyección de uno de los más sorprendentes y desconcertantes documentales que he visto en mi vida.

Y es que la peculiaridad de este filme no radica en sus formas clásicas aunque impecables de narrar, ni en su apartado visual, más que correcto para ser un documental grabado casi como si de una cámara oculta se tratase, sino en la iconoclasta figura de su principal protagonista, la jueza belga Anne Gruwez.


"Hell House LLC: Director's Cut" Me lo quitan de las manos, señoras!

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Recientemente hemos podido visualizar la última película del director neoyorkino Stephen Cognetti, "Hell House LLC", la versión del Director. De nuevo, el metraje encontrado es protagonista junto con un falso documental. Ambas herramientas son excelentemente combinadas por el director, quien salta de una a otra con pasmosa habilidad y sin cortes abruptos para el espectador.

"Hell House LLC: Director's Cut" trata sobre un documental que se realiza en una casa encantada de la ciudad de Nuwva York , más concretamente en la ciudad de Abbadon. En 2009 aconteció la que ahora se considera la tragedia de la casa embrujada más famosa de la historia reciente.

En cuerpo y alma. Una historia nada convencional.

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Parece mentira que una película que sigue casi al milímetro la tópica estructura de una comedia romántica pueda llegar a ser tan original e interesante. Y es que no hace falta ser muy avispado para entrever ciertas costuras al guión; así, nada más comenzar tenemos el clásico desencuentro inicial entre dos seres que tienen más en común de lo que aparentan y puedan ellos en principio imaginar, poco a poco se dará un ligero acercamiento desde la distancia con pequeños tropiezos que se irán limando hasta llegar al casi romance que surge en este caso a raíz de una curiosa coincidencia onírica.

En el tramo final tendremos la pelea y separación, producida, como no, por culpa de un malentendido, y respecto a si hay una definitiva reunificación y final feliz con coros y trompetas no diré nada para evitar inoportunos spoilers, pero sí les adelanto que algunas de las secuencias finales son las más impactantes del film por su crudeza y emotividad ¿Dónde radica entonces la originalidad de esta pe…

Hablamos con Carla Simón, directora de "Estiu1993", película candidata a los Oscar por España

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El pasado 14 de septiembre, el CGAI (Centro Galego das Artes e da Imaxe) exhibió "Estiu 1993", la película presentada por España como candidata a los próximos premios Óscar. Además de la oportunidad de su visionado, el coloquio posterior con su directora, Carla Simón, convertía a la cita en imprescindible, así que nos plantamos allí, vimos la película y hablamos con la autora.
"Estiu 1993" o "Verano 1993" es una película autobiográfica que relata lo acontecido a la directora Carla Simón en un momento difícil de su infancia. Una serie de circunstancias duras que tuvo que sobrellevar como niña y que plasma en un filme aparentemente sencillo pero que esconde una gran complejidad, como se revelará en las preguntas que por parte del público asistente y por la nuestra, se le plantearon a la directora.

Handia. Grande donde otros son pequeños.

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Después de haber luchado en la primera Guerra Carlista, Martín vuelve al caserío familiar en Altzo (Gipuzkoa) y allí descubre que su hermano menor es mucho más alto de lo normal. Así es Handia (Aundiya en su forma más antigua), palabra que significa "grande" en euskera y que trae a nuestros días la historia de "el hombre más alto de su tiempo", una narración que siendo real, no necesitan más que unos cuantos aderezos para convertirse en un buen guión de cine.

Si el vocablo "handia" define a la perfección lo que nos depara esta película en todos los niveles, "arriskua" (riesgo) debería ser la que define la actitud que adoptaron sus directores Jon Garaño y Aitor Arregi cuando decidieron poner en marcha este proyecto.

Es un riesgo tomar un camino tan alejado de la fórmula que te ha dado el éxito. La aclamada Loreak (2014) aún cautiva nuestras retinas, y se quedó a un paso de tocar el cielo en Hollywood, todo un hito para una cinta rodada en eusker…

Blade Runner 2049. ¿Dejaron los androides de soñar con ovejas electrónicas?

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Hay que reconocerle a Denis Villeneuve valentía, arrojo y empeño para embarcarse en lo que casi podría ser un proyecto suicida, la continuación de Blade Runner, considerada unánimemente junto a “2001 Una Odisea del espacio” la mejor película de ciencia ficción de todos los tiempos y obra que, dicho sea de paso, no necesitaba ninguna continuación.

Se agradece que al menos los gerifaltes de Hollywood lo hayan hecho con respeto, contando con el guionista original de la primera (Hampton Fancher, en colaboración con Michael Green), manteniendo en la medida de lo posible parte del reparto original y contratando al que quizá sea uno de los dos directores que dada su trayectoria podía embarcarse en este proyecto con ciertas garantías de calidad y fidelidad al original. (El otro director, para mí, sería Christopher Nolan.)

Fireworks, la nueva joya de la animación japonesa. Nuestra crítica y entrevista con el director.

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Presentada en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián, hemos podido ver la más que recomendable película de anime “Fireworks”, remake del film para televisión del mismo titulo de Shunji Iwai.

Escrita por Hitoshi Ohne y dirigida por el tándem de directores Akiyuki Shimbo (cuyo trabajo más conocido en España es la serie “Madoka Magica” y las tres películas que derivaron de ella) y Nobuyuki Takeuchi (jefe de animación de varias obras maestras del anime como “El viaje de Chihiro” o “Ponyo en el acantilado”), en este su primer trabajo conjunto han realizado una obra emotiva a la par que imaginativa que combina pequeños golpes de humor (algunos políticamente muy incorrectos, lo que hoy en día creo, es de agradecer), el romance y la amistad en la adolescencia y, a partir de cierto punto de la trama, un elemento de ciencia ficción que permitirá a los protagonistas volver sobre sus pasos y revivir de nuevo los últimos instantes de sus vidas.

"Fireworks, Should We See It from the Side or the Bottom?" the new wonder of anime. Our critic review and interview with the director.

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“Fireworks, Should we See It from the Side or the Bottom?” was presented at the Official Section of the Festival de San Sebastián. We have seen how recommendable is this anime film, a remake of the tv film of Shonji Iwai. It was writen by Hitoshi One and directed in tandem by Akiyuki Shimbo (his most remarkable job known in Spain is the series "Magic Madoka" and the three films resulting) and Nobuyuki Takeuchi (animation chief of several anime master pieces like "Chihiro's spiriting away" or "Ponyo on a cliff").
 In their first joint job they have made an emotive and imaginative film which combines comic relief (some of them politically incorrect, thankfully nowadays), romance and adolescent friendship. At some point of the storyline it also includes a sci-fi element which alows the main characters to come back and live the last moments of their life again.

Nuestro Festival de San Sebastián. Primeras impresiones.

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Echa el cierre la 65 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Acaba de conocerse el palmarés y, por extraño que parezca, esta vez no va acompañado de demasiada polémica. Nada como poner a John Malkovich presidente del jurado para que su decisión tenga peso del ley. Eso, y no restarle mérito a James Franco y "The Disaster Artist", que ya traía buenas críticas del Festival de Toronto.

Pero nuestro festival terminó hace unos días. Si algo nos queda claro (porque no puede calificarse de error participar de una experiencia como esta), es que el Zinemaldia merece y obliga a disfrutarse de cabo a rabo. Los nuestros fueron tres días, y aún estamos digiriendo, ordenando, e intentando dar una forma presentable a tanta información cinéfila. Una actividad festivalera que ya de por sí es frenética, se convierte en febril si tu agenda se ve recortada a la mitad por multitud de razones ajenas a nosotros (mundanas y comunes), y por desgracia también ajenas al cine. No v…

¡Nos vamos al Festival de Cine de San Sebastián!

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¡Y estamos contentos como maracas! De nuevo viviremos unos días de puro cine, 100% rodeados de expertos, periodistas, críticos, actores, directores y demás fauna variopinta que nos quitará horas de sueño pero a cambio nos darán meses de charlas, de anécdotas y de momentos agradables.

Gracias Festival de San Sebastián por dejarnos acudir una vez más. No es nuestra primera vez. Ya estuvimos en la edición del año 2013. En aquella ocasión pudimos hablar con gente como Hugh Jackman, a quien le preguntamos si no estaba aburrido de hacer de Lobezno; con Oliver Stone, que confundió mi voz con la de un amigo suyo y contestaba lo que quería; con Michelle Yeoh, chica Bond conocida por Tigre y Dragón  (2000) de Ang Lee, que nos contaba como era difícil que se se cayera porque era bailarina y no karateca. Un servidor tropezó con Terry Gilliams, hablamos con un amabilísimo Vincent Pérez y sufrimos a Albert Dupontel. Casi se me salta el corazón del pecho al hablar con Sandrine Kimberlain y me quedé…

Big Eyes. Buscando a Tim Burton desesperadamente.

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Siempre ha habido expresiones de arte que, de alguna manera dan en el clavo y se convierten en acontecimientos comerciales. Transcienden las barreras del puro arte y se confunden con el marketing y los ingresos millonarios. Como las muñecas gorjuss que pinta Suzanne Woolcott.

Y este proceso muchas veces está fuera del alcance de la mente creadora, ajena tan a menudo a mercadear con sus obras.

No es un fenómeno nuevo, en los años 50 y 60 ocurrió algo muy similar, que con el tiempo adquirió unos tintes novelescos que parecieran salidos de la mente del guionista más retorcido. Se trataba de unas muñecas pintadas con unos exagerados ojos enormes (Big Eyes), y que llegaron a convertirse en un éxito sin precedentes durante dos décadas, siendo los artículos más buscados por actrices y demás famoseo.


Atmósfera 0. Cuando Sólo Ante el Peligro estuvo en órbita

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Prácticamente todo el mundo sabe que la inagotable serie de películas de la Guerra de las Galaxias (me resisto a llamarle Star Wars) surgió como una adaptación particular de la película japonesa Los Siete Samuráis del director Akira Kurosawa (1954) Se trasladó su historia del Japón feudal a una galaxia muy, muy lejana y el resultado sigue dando coletazos hasta hoy. Nunca se imaginaron aquellos nobles samuráis que sus catanas serían transformadas en sables láser y que se siguen blandiendo por causas igualmente dignas aunque sus portadores tengan antenas, cuatro ojos y piel de color verde.


El otro lado de la esperanza. El otro lado de Occidente.

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Nada mejor para desintoxicarse de tanto blockbuster veraniego que visionar la última obra del consagrado director finlandés Aki Kaurismäki.

Reconozco que su cine a veces me fascina y otras me exaspera, pero rara vez me deja indiferente, y es que una de las virtudes que más valoro de su filmografía es que sus películas se pueden considerar la antítesis de lo que se hace actualmente en Hollywood por su estilo tan personal que combina fábula y realismo, por sus personajes lacónicos (pero siempre interesantes), los diálogos secos (pero no exentos de humor), las interpretaciones contenidas (pero en absoluto escasas de profundidad) y su evidente compromiso intelectual y social. Wes Anderson, aunque con una temática muy diferente y sus propios y particulares códigos, sería lo más parecido que nos podemos encontrar dentro del cine estadounidense.

Saturno 3. Tres estrellas en acción

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Siempre ha habido cine. Bueno, desde que se inventó en 1895. Quizá muchos lectores de esta web son jóvenes que han crecido con los efectos especiales creados con ordenador. Chavales para los que Parque Jurásico es su primera película de dinosaurios, que no saben que antes los dinosaurios, monstruos y seres o maquinarías extraños se movían foto a foto, con un encantador tembleque que hoy se podría considerar “vintage”. No es el caso de esta película, pero esta reflexión inicial viene a cuento de que tampoco sólo de La Guerra de las Galaxias o de Star Trek vive el hombre. Hubo, hay y habrá historias muy interesantes que transcurren en el espacio y que dejan a uno con muy buen sabor de boca. Saturno 3 es una de ellas. 

La Torre Oscura. Y a medio construir.

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"La Torre Oscura", definida por el propio Stephen King como su Gran Obra, se ha pasado años dando tumbos entre los portafolios de los ejecutivos de Hollywood. Estuvo a punto de salir adelante en forma de serie de televisión con Javier Bardem en uno de los papeles principales, y después de un sinfín de dificultades de producción, llega a nosotros.

Hace muchos años que leí mi última novela de Stephen King, y no me he acercado nunca a este gigantesco cosmos que ha creado el escritor al rededor de La Torre Oscura. Hasta donde conocía, los relatos de terror de King abarcaban una novela a veces gruesa como It, pero no se desarrollaban en extensión y complejidad hasta rivalizar con la Tierra Media.

Pues este universo literario creado a lo largo de tantos años, acompañado por una película que ha llevado lustros poner en movimiento, nos generaría las expectativas de una producción compleja, escrita y rodada con todo el mimo y  tiempo del mundo. Como los cimientos de la interminable T…

La Profesora. Mucho cuidado con la educación

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Lo primero que hay que decir es que esta película está basada en hechos reales. Es importante para conocer el triste alcance que pudo haber tenido la profesora real en quien se basa la actriz protagonista e un excelente papel. En algún lado se califica a esta película como un retrato de la podredumbre del comunismo, sin embargo, creo que es un retrato de la podredumbre de ciertas personas que, ya sea en ámbitos comunistas como capitalistas, saben sacar tajada de cada situación, personas que no cambiarán sus malos hábitos y que siempre tendrán ese virus en sus entrañas, por otro lado, como así refleja esta película.

Valerian y la ciudad de los mil planetas. Entre el cine y la playstation.

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Difícil encarar una crítica ante una película que me ha producido tan diversas y contradictorias sensaciones. Empecemos por lo bueno, Valerian es una película de ciencia ficción y aventuras, lo que se conoce como Space Opera, basada en unos populares cómics franceses creados por Pierre Christin y Jean-Claude Mézières, cuya pretensión es entretener y proponer un mundo repleto de imaginación y fantasía con unos personajes arquetípicos y fácilmente reconocibles.

Y esto se consigue casi en su totalidad, los efectos visuales son sorprendentes y de una riqueza imaginativa pocas veces igualada en el mundo del cine, la trama aunque es sencilla está bien ejecutada, la película pasa en un suspiro e incluso en su primer tercio llega incluso a impresionar.


Rey Arturo: la leyenda de Excalibur.

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Cuando se conoció la noticia de que Guy Ritchie (Snatch, Sherlock Holmes) iba a ponerse a rodar una versión de Los Hechos del Rey Arturo, una ola mezcla de expectación e incredulidad recorrió los mentideros que se dedican a comentar el mundo del cine.

No es lo más habitual que uno de los directores más transgresores en cuanto a estética y a ritmo narrativo se meta en estas lides, tan acostumbradas a composiciones contadas en tono solemne y cadencia soporífera. La estética cercana a veces al video clip del director británico, sus alardes en la sala de montaje a ritmo de rock&roll casan tan bien como una cecina y un Ribera del Duero, pero ¿aguantarán ese mismo traqueteo acelerado los remaches de la armadura de Arturo? ¿Sufriremos un shock al escuchar a los caballeros de la Tabla Redonda abandonar pompa e hidalguía y expresarse como pandilleros de extrarradio?


Estirpe. Hablamos con su director, Adrián López

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El pasado 11 de agosto, pudimos disfrutar del estreno de la película "Estirpe", ópera prima del coruñés Adrián López. La película trata sobre "Estirpe", cómic publicado en 1969 que se convierte en clásico de culto. 45 años después una productora que quiere adaptarlo al cine encarga a María, abogada, que encuentre a su autor para conseguir los derechos.

Con tres niveles de narración entrecruzados, "Estirpe" nos contará mediante flashbacks cómo se creó el cómic y por qué desapareció su autor. En un tono más documental, las circunstancias de su vuelta y la adaptación de su obra. Y por último, en un ejercicio de metacine, fragmentos de ésta ya rodada, que nos dan más pistas para completar el puzzle. En "Estirpe", el cómic, Ciclón y Mara luchan contra el Cuarto Reich alemán que quieren invadir nuestro país, todavía gobernado por Franco.


Revista Androide Paranoide y su especial sobre Robocop

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Abrimos el número 2 de la revista de Androide Paranoide con la banda sonora de fondo de la película Robocop, la buena, la de 1987. Es imposible evitar que se le pongan los pelos de punta a uno mientras suena el “ti-ti-ti, ti-ti-ti, ti-ti-ti” del noticiario que trae sangrientas noticias de última hora y es que no es para menos ya que esta fantástica revista ha entrevistado no a una, sino a más de 20 personas relacionadas de un modo u otro con el personaje mitad hombre mitad máquina, desde actores de las diversas películas y series hasta al escultor de la mega estatua que pondrán en Detroit en breve gracias al crowdfunding.

The Imitation Game. Descubriendo a Alan Turing.

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Notable film de espionaje, menos afortunado film biográfico, y encubierta denuncia social como excusa para conocer a un personaje sorprendente.

 Como thriller engancha desde el primer fotograma. Hay pocos desafíos más sugerentes para las mentes crecidas en el siglo XX que los ingenios nazis de la Segunda Guerra Mundial, tan eficientes en sus descarnados cometidos. Es el caso de la impenetrable máquina encriptadora de mensajes del ejército alemán Enigma.

Actuando como el primer hacker informático de la historia, dispuesto a reventar la privacidad nazi, un genio matemático llamado Alan Turing, héroe en la sombra librando sus batallas decisivas lejos de la primera línea de combate, pero alejado también del reconocimento del que a veces gozan aquéllos.

Crudo. Justo en su punto.

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Con Crudo tenemos una muestra más de lo bella que es la libertad de expresión cuando se puede ejercer sin miedos ni cortapisas. En Crudo se muestran escenas grotescas y situaciones aberrantes que surjen de la cabeza de su directora y guionista, Julia Ducournau, que imagino que al ser mujer se considera este trabajo cono un acto de empoderamiento. Si el director fuera un hombre seguramente sería duramente atacado por hacer extrañas insinuaciones sobre el cuerpo de la mujer y por presentarla como alguien que se debe a sus más bajos instintos. Lo raro es que alguna de sus actrices no se haya desvinculado con la película, como se ha hecho recientemente en España.



Baby Driver. Nunca pierdas el compás.

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Bajo un título un tanto cursi, con el hermano anodino de la serie Divergente al frente del reparto, nos encontramos una de las propuestas más originales e interesantes del año.
 No fueron su actor protagonista ni su estética teenager el reclamo para llevarme hasta la sala de cine, lo fueron en cambio las reiteradas referencias a su virtuosismo en la sala de montaje, y al argumento irresistible de una buena banda sonora, que unidos, en mi opinión conforman la ecuación perfecta cuando se apagan las luces de una sala.

Esperaba un despliegue técnico sensacional y lo encontré desde lo títulos iniciales. Lo que realmente me sorprendió fue el inesperado talento del bueno de Ansel Elgort, el reparto secundario (nada secundario), y el estilo imaginativo y seguro de si mismo del director Edgar Wright.

Okja. Está claro que Netflix no es Mirando

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Okja es un producto curioso, entretenido y agradable. Una historia con claros mensajes entre líneas. Un batiburrillo que dispara a todo y a todos: las mega empresas, el cambio climático, la crisis económica, las hambrunas, la comida basura, el maltrato animal, la corrupción política, hasta tiene referencias hacia el holocausto judío. Es una navaja suiza de quejas y denuncias. 
Vamos por partes, como pretenden hacer con sus protagonistas.

Billy Lynn. El delicado equilibrio entre la crítica (social) y la propaganda (militar).

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Billy Lynn, dirigida por Ang Lee, pasará a la historia por ser la primera película rodada en 120 fotogramas por segundo. Hecho totalmente anecdótico pues en la actualidad solo hay cuatro salas en el mundo capaces de reproducir en dicho formato y están todas en los Estados Unidos de América, país que nos queda un poco a desmano a los que escribimos y leemos habitualmente esta Web.

Tendremos entonces que conformarnos  con la versión estándar y juzgarla, no por la técnica  empleada, sino por el contenido propio. ¿Y cual es el veredicto? Otra buena muestra del buen pulso del director taiwanés para filmar historias de personajes con problemas para adaptarse a las circunstancias que le ha tocado vivir, y ejemplo soberbio de un inteligente guión (basado en la novela de Ben Fountain) capaz de conjugar la más ácida crítica social y política con un elogio sin fisuras a aquellos soldados que paradójicamente conforman el estamento militar que se critica.

Uno podría pensar que aunque las guerras …

Imperium. Cuando la magia se transforma en fascismo

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Daniel Radcliffe lo está haciendo cada vez mejor. Se va quitando poco a poco la almibarada sotana del joven Harry Potter y, para alegría de algunos de nosotros, se está transformando en lo que parece que es: un actor con una buena capacidad de registros y muy válido para enfrentarse a otros papeles que no conlleven portar varitas mágicas ni coger un tren a Hogwarts.
Imperium es un reflejo de ello, una de sus últimas películas en la que la única magia es aquella que atrapa a las personas con los dulces cantos de sirena de las ideologías extremistas, tanto las de izquierdas como las de derechas. Imperium se basa en estas últimas pero podemos ver a títeres humanos enarbolando banderas de ambos lados. Está claro que la obediencia pasiva y la fe infantil constituyen el peor de los males que es posible imaginar. Por cierto, frase esta de Hitler. ¡Qué cosas, eh!

El joven Paulo Coelho. A la espera del Alquimista

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Si existe hoy en día un personaje controvertido en el mundo de la literatura ese es Paulo Coelho. Es el escritor vivo más traducido del mundo, uno de los más vendidos y sus artículos se publican en revistas de multitud de países, sin embargo cada nuevo libro suyo (ya más de treinta) es dilapidado por la critica y sus colegas escritores no suelen ser más benevolentes con él. Cuanto de envidia e incomprensión hay en estas valoraciones es algo que se escapa a mi conocimiento, yo he leído y disfrutado alguna de sus obras y en ningún caso me parece un escritor mediocre.

Nos llega ahora desde Brasil no una adaptación de alguna de sus más emblemáticas obras (¡para cuando El Alquimista!) sino un interesante aunque un tanto deslavazado biopic que recorre diferentes épocas de la vida de Paulo Coelho y que por desgracia no llega a cuajar en la gran película que hubiéramos deseado.

George A. Romero. La muerte le debe tanto.

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Los zombis, si algún sentimiento pueden guardar en sus corazones estancados aparte de la obsesión por comer sesos humanos, hoy experimentarán algo parecido al dolor. Si esas hordas de seres en descomposición tuvieran que elegir a un padre, no sería desde luego el ser humano que les dio el apellido; elegirían sin dudarlo a George A. Romero.

El director de neoyorquino de ascendencia cubana - lituana que dedicó su vida al cine de terror, de serie "B" como comenzó a llamarse, pero que bien podría ser simplemente, el cine que podía permitirse un director sin tener que vender su alma al diablo, o a los contratos esclavizadores.


Contratiempo. Por el buen camino.

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Decían mis compañeros de Web a raíz de la crítica de “El guardián invisible” que el thriller nacional se hace adulto, y grandes películas como "Contratiempo" no hacen más que corroborar dicha afirmación.

Sin embargo su paso por los cines ha causado una de las mayores controversias de los últimos tiempos. Gran parte de la critica la ha dilapidado sin compasión mientras que una menor parte alabaron su compleja puesta en escena y su montaje. Yo me inclino sin duda alguna hacia este último grupo pues creo que este es uno de los thrillers más inteligentes y mejor ejecutados que se han hecho en este país.

Land of Mine. Quien siembra minas, recoge…

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Parece que se ha dicho todo acerca de la II Guerra Mundial. Batallas gigantescas, millones de muertos, crueldad sin límites, héroes anónimos y multitud de ingredientes más han configurado cientos de historias relacionadas con tan duro pasaje bélico. Como espectador hemos disfrutado y sufrido en tantos terrenos de combate que es difícil encontrar nuevos aspectos que nos pillen desprevenidos.

Land of Mine lo logra. Encuentra un resquicio por dónde hacer palanca y nos asoma a un hueco muy desconocido. La posguerra en una Dinamarca recién liberada de la ocupación alemana.


Desconexión. Un amargo espejo en el que mirarse.

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Hay películas que marcan el pulso de una generación, que trascienden sus propios e innegables méritos, y se convierten en fiel reflejo de la época que les ha tocado vivir, narrando de forma honesta sus principales virtudes, defectos y aparentes bondades.

Hay películas que sin proponérselo consiguen ese pequeño milagro, y “Desconexión”, de Henry Alex Rubin, pertenece a ese raro y selecto grupo.

A una dirección precisa, que acierta a destacar los momentos cúlmenes de la historia, se le une el excelente trabajo del amplio reparto de actores protagonistas y el gran guión firmado por Andrew Stern, donde subyace la soledad de unos personajes marcados por pequeñas y grandes tragedias, incapaces de comunicarse entre sí y más pendientes del ser digital que se esconde tras la pantalla del móvil u ordenador, que de los seres humanos con los que tienen contacto directo día tras día.

Hablamos con el cómico Pedro Brandariz

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Recientemente, con motivo de la presentación de una Laboratorio Audiovisual, tuvimos la oportunidad de conocer personalmente al gran cómico Pedro Brandariz, muy reconocido y reconocible en Galicia debido a sus múltiples apariciones en programas de TV, web series, monólogos y otros espectáculos en directo.
No pudimos resistir la tentación de hacerle multitud de preguntas así aquí os dejamos el resultado.
¿Cómo puedes definir a Pedro Brandariz?


Empezamos fuerte. Eso de definirse a uno mismo no es tarea fácil, pero como esta pregunta siempre cae en el examen ya la tengo preparada. Pedro Brandariz es un cómico, en el sentido máis amplio de la palabra. Hago clown, monólogos, stand-up, teatro cómico, humor en TV y cualquier formato que se presente. Cómico en el sentido más amplio de la palabra, incluso como filosofía de vida. No sabría hacer otra cosa que no fuese comedia o humor. ¿A que me ha quedado bien la respuesta?

Wonder Woman. Ellas son maravillosas.

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Quién lo iba a decir. Que una película de superhéroes nacida a la sombra de sus hermanos mayores (Superman, Batman), sea la última sensación y esté dando qué hablar tanto en reacciones del público como en taquilla. Sobrepasando incluso el mero concepto de taquillazo y erigiéndose como símbolo de igualdad de sexos o cine hecho por mujeres...

Suena a hallazgo, o a encubierta campaña de márketing, al más puro estilo de esas cintas de terror donde alguien se desmaya casualmente durante el estreno. Abrazar causas mayores para disimular carencias o ideas mediocres. Con esa actitud, crítica y escéptica, es la que aconsejo ir a ver Wonder Woman (Patty Jenkins, 2017) después de tantos cantos de sirena acerca de la calidad de superproducciones y posterior decepción, de tamaño proporcional a la expectativa. Demasiados batacazos acumula el cine de superheroínas (Catwoman, Elektra, Aeon Flux...) enterrando a veces carreras enteras de manera injusta.

Pero un resquicio de esperanza permanecía ¿será…

The Belko Experiment. ¡Sufre miserable empleado!

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Estamos ante una nueva vuelta de tuerca del famoso “There can be only one” de los Inmortales (1986). La idea de encerrar a un grupo de personas y obligarles a que se maten unas a las otras hasta que solo quede uno cobra de nuevo plena vigencia y, a pesar de ser ya conocida, no deja de aportar entretenidos productos como el que aquí tenemos.
¿Y qué tenemos? Pues primero de todo a una empresa que debió ser inscrita en el registro mercantil por el mismo Satán. Belko Industries tiene un ojo como logotipo que ya augura que no deja nada al azar y que nada se le escapa. Empresa misteriosa y omnipresente que, sin embargo, permite algunas filtraciones de libertad dentro de sus paredes como es aquella pintada en los baños que proponía: “Belko puede comerme el coño”.

La Momia. Añorando a Boris Karloff.

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Una producción del tamaño de La Momia parte desde el comienzo con todo el poso legendario que le aportan los clásicos.

 El legado de Boris Karloff es un intangible que pone a tu producción directamente en el centro de atención. Pero, al igual que en un viejo sepulcro egipcio, se debe pagar un precio si no se accede a él con el debido respeto, y desde luego si las intenciones de son las de mercadear semejante legado con la única intención de convertirlo en oro, corremos el riesgo de sufrir la peor de las maldiciones: la que lleva a ver a decenas de ejecutivos de Universal Pictures tiñendo sus cuentas de números rojos. Cuando se retoma, se revisita (o como quiera que se llame ahora) a un clásico, hay unos rituales que nadie se puede saltar, da igual que te llames Howard Carter o Tom Cruise.

Y es que lo peor que le puede pasar a una película es no saber quién quiere ser, qué quiere contar, o a qué público se quiere dirigir.